诞生于文艺复兴时期的意大利，芭蕾经近400年的发展，在不断革新中风靡世界，至今仍让人们心驰神荡，各代舞者们不会因艺术生命短暂而熄灭对芭蕾的热情。芭蕾，究竟魅力何在？三位“芭蕾人”——谭元元、吴素琴、内田千裕，带你走进芭蕾的世界，从各个微妙角度品鉴芭蕾。
法国大文豪巴尔扎克说：“芭蕾是一种生存的方式。”一语道破投身芭蕾艺术之人的心态——把芭蕾视为生活与艺术的连接点，演出一场生活，也活出一场表演。
诞生于文艺复兴时期的意大利，芭蕾经近400年的发展，在不断革新中风靡世界，至今仍让人们心驰神荡，各代舞者们不会因艺术生命短暂而熄灭对芭蕾的热情。芭蕾，究竟魅力何在？三位“芭蕾人”——谭元元、吴素琴、内田千裕，带你走进芭蕾的世界，从各个微妙角度品鉴芭蕾。
谭元元： 让我成为真我
“与其说芭蕾是一种命运，不如说芭蕾是一个选择。”舞蹈家谭元元在电话那端对记者语气恬淡地说，“即使我不做舞者，按父母愿望继续学业的话，我可能现在也会是优秀的医生或律师吧，无论选择什么，都要成为优秀的人。”
少女时期的她，国际上已获得多项芭蕾大奖。在德国进修时，得到一封来自美国旧金山芭蕾舞团的邀请函——她决定放弃在德国按部就班走程序可以享受的优渥人生！
在她的“选择”下，她成为了旧金山芭蕾舞团首席舞者，成为了有“芭蕾女王”之称的华人舞者。
她被认为是中国培养出的最优秀的芭蕾舞蹈演员，也是目前为止国际主要芭蕾舞团中唯一华裔首席。20多年的芭蕾生涯，谭元元说欣慰远比遗憾多。“我18岁就进入旧金山芭蕾舞团，成为独舞演员；一年半后，又升为首席演员，是舞团自1933年创团以来最年轻的首席，也是第一个中国人。这一切对我来说，都是很大的鼓舞。不是我做到了什么，而是我成为了真我。”
让谭元元选出人生中自豪的一刻，她认真想了想——去年4月在俄罗斯圣彼得堡亚历山大德林斯基剧院的一场大型芭蕾汇演上，她作为一位受邀的亚洲舞者登台，“圣彼得堡是芭蕾圣堂，能在那里演出，是我的荣耀。一般人可能并不知道这件事确切的意义，但对我来说，我自豪极了。”谭元元今年又受邀，将再到亚历山大德林斯基剧院演出。
每场演出都绝顶重要，不管在哪个剧院，不管有多少观众，是谭元元的执念。“别人说我为芭蕾付出了我的100%，我认为我付出了120%，在芭蕾界，120%的努力是基本标准，不过，若让我付出150%，我想我也做不到。芭蕾的确是在排练室里完全投入、刻苦钻研、精雕细琢出的一门艺术，却也强求不得，你知道自己的极限在哪里。”
芭蕾舞者的美与痛
谭元元舞台上的美，世人皆知，她舞台下的痛，不为人知。芭蕾舞者的美与痛，是共生互补的，少了哪一个，另一个便不能成立。问谭元元是否有最痛的一刻？
“‘最’这个字眼太极端，有没有最痛我不知道，但芭蕾舞者的忍耐力似乎比普通人强一点。伤痛是如影随形的，你想想看，一个人先训练了整整八小时，再上台表演两个多小时，不受伤是不可能的。只是舞者们善于隐藏，能把那份痛藏好。舞台上隐藏是一回事，台下不能逞强、不能硬撑，要知道，逞一时之快，结果很可能是过早结束舞者生涯；舞者生涯已然短暂，更不该勉强自己。”
谭元元全身伤痕累累，她曾脚尖受伤靠打“封闭针”上场，也在舞台上整个胯骨脱臼，至今腿上还有三处骨折留下的旧伤。早在上海舞蹈学校时，右脚第三根脚趾的筋就已断掉——你会惊讶，她明明是足尖上的精灵！她到底是怎么跳到此刻的？她还在跳呢！
“既然不可避免，就把伤害程度降到最低，做足够的暖身、按摩、物理治疗，这些舞者们都懂。”谭元元说，“也要保持足够营养，别饿着不吃饭；还得要心情好，脑子里有事的话，做什么都有影响，什么角色都演不好。我一直想说：我很平静很快乐，我面对芭蕾时，想到芭蕾时，是快乐的。”
今年40岁的谭元元，不再被生理年龄捆绑，“可以跳的话，就一直跳。我说过35岁就停，为什么没停？是因我遇到两部为我量身定做的作品——《小美人鱼》和‘RAKU’，好作品可遇而不可求，我感到自己一下子升华了，既然跳是我的使命，那为什么不跳？跳着跳着，我的心更强了，连带我的身体。我发现可以越跳越好，有更多的想法可以更饱满地表达出。就算退役，我仍不觉得是我芭蕾生命的终结，让艺术生命延续下去的方法很多。”谭元元一派轻松。
培育后起之秀、做艺术总监、编舞创作、策划演出——这些都是谭元元想做的。
吴素琴：美是芭蕾的一切
“用一个‘美’字，可形容芭蕾的一切。”新加坡著名芭蕾舞蹈家吴素琴说，“美”是一般人着迷于芭蕾的原因，也是舞者们想要从事芭蕾表演的原因。
芭蕾有完整精密的训练系统，要成为专业舞者，需要过人的资质、优秀的技巧和优雅的人格修养，另外，还要有对于美术、音乐、文学等各方面的知识。“芭蕾从来不是一种单纯的舞蹈，它带有多种文化精萃。舞者对美要有很深的了解，同时也要有通过肢体和表情把美传达给观众的本领，这种美不仅是表象，也是内涵。”
舞者与剧情、音乐共鸣
有的观众以为看芭蕾就是要看高难度的肢体展现，其实这只是芭蕾的表象。吴素琴指出，更深一层的话，看芭蕾要看舞者跟整个剧情、音乐的一种共鸣。
“芭蕾是有律动的，即使是一个亮相动作，它结束后一定会有接续的动作，有一种呼应，这就是音乐性的一部分。”吴素琴说，“音乐不断，舞姿不断，音乐即使断了，舞姿也必须像引子般为之后的故事铺垫。没有音乐，可以感到音乐，没有语言，可以说出语言。芭蕾，在某种程度上，是配了音乐的哑剧。”
参与创办新加坡舞蹈剧场前，吴素琴已是一位资历丰厚的芭蕾伶娜，经典剧目悉数跳过，从音乐角度，她觉得最引人入胜的是《罗密欧与朱丽叶》，“普罗科菲耶夫的音乐响起，你一听就知道悲剧即将上演，极其撼动人心。我看芭蕾，就是要欣赏原始的剧目和古典的音乐，有些编舞喜欢对剧情和音乐进行解构又重构，我就不太喜欢，我宁愿他们创作新的音乐来编配。”
说到《罗密欧与朱丽叶》，她想起一件事，弟弟吴诸珊唯一一部全幕舞剧便是1984年为波士顿芭蕾舞团编排的《罗密欧与朱丽叶》。“我去美国看他的演出，观后向他问起剧中一段最重要的双人舞，问他是否想过在托举方面做一些更复杂编排。”
吴诸珊淡淡对姐姐说：“可罗密欧15岁，朱丽叶才13、14岁啊。”吴诸珊刻意不将其复杂化，当时吴素琴有点疑惑，后来看新加坡舞蹈剧场的演员跳同样的版本，亚洲女舞者在简约动作下把朱丽叶少女的纯真情怀极致展现，吴素琴一下明白了弟弟的用意，心里感动不已。
“所以，芭蕾的编舞也是要理解生活理解人的，要求真求实。”吴素琴说。“有人认为芭蕾做作、虚假、空洞，但其实能做到‘美’，是很不容易的一件事。美从来就不是空虚的，我希望所有人能对芭蕾抱有开放的心态，能多元解读芭蕾之美。”
内田千裕：芭蕾是汗水结晶
许多女孩迷恋芭蕾漂亮的舞衣和靓丽的舞台妆，对新加坡舞蹈剧场“当家花旦”内田千裕来说，她当初进芭蕾学校，以芭蕾伶娜为志向，也是因为可以打扮得美美的在舞台上展示。
多点光芒 自信不同
内田千裕在演出中佩戴的首饰，比一般群舞演员多，她毕竟是吸引众人目光的女主角。她说：“我会选择一些晶莹剔透反光度强的首饰，尽管台下观众可能看不清楚，但灯光照射下，首饰所发出来的光会映在眼睛、面容或衣服上，整个人就亮起来，多了一点点光芒，自信就会不同。”
而演出妆容基本上都由演员们独立完成，化妆是芭蕾学习的必修内容。
“近看我们的舞台妆，会觉得很浓烈很戏剧化，这是为让在远处的观众也看得清我们细微的表情变化，”内田千裕说。“自己化妆，每个演员在妆容上会有各自风格，没有一定之规，在舞台上这是被允许的，演员们扮演的就是不同角色，妆容有差异刚好避免千人一面。”
舞台上挥汗如雨，舞衣被汗溻湿很难避免。
“我出汗量很大，一到换场，会赶快冲进更衣室擦汗，一幕演完，整条tutu几乎湿透，我早已习惯。”内田千裕说，“每部剧的每件戏服我都有两套，一场演完后，脱下的那一套服装组工作人员会拿去清洗、烘干、消毒。芭蕾好看，可不是我一个人的功劳。”
身为日本人的内田千裕笑言，tutu比和服还难穿，和服可以自己穿，“一整套tutu像连体衣一样，要从底部开始穿，但再怎么样都得有人帮你系拉链或系带。”
芭蕾舞裙几百年来没有改变多少，以圆盘式的tutu和中长度的单层薄纱裙为主，内田千裕解释：“这是芭蕾创始人们制定的服装规则，《天鹅湖》里穿tutu，《堂吉诃德》里穿西班牙式舞裙，都是老祖宗定下来的规矩。不太可能让女舞者穿厚重的礼服上台，女舞者跳不动，观众看不到足尖技巧，男舞者也无法把我们举起来。”
最心仪的舞衣，内田千裕说：“是《帕姬塔》的白tutu，有点像婚纱，大概诱发了我的新娘梦吧。”
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