第62届台北金马奖颁奖礼后，甲上娱乐办了一场温馨庆功宴，四部片的得奖及入围者齐聚一堂，除了《好孩子》和《幸福之路》之外，斩获“最佳动画长片”殊荣的《世外》团队，也捧着金马奖座在现场开心庆祝拍照。
2025年第四届“香港电影巡礼”（HKFGP）在新加坡圆满落幕，《世外》作为开幕片，无疑备受瞩目。这不仅因为它是自《麦兜故事》，香港动画时隔24年后，再次于国际舞台大放异彩，更因为它背后包含一段特殊的“双城故事”——这部探索轮回放下执念并结合视觉奇观的作品，是由香港导演吴启忠与新加坡监制曾银阶联手，历经七年风雨打磨而成。
《世外》已创下香港动画影史最高票房纪录。
在拉萨尔艺术学院举行的大师班座谈会上，以及与《联合早报》的专访中，吴启忠与曾银阶细述《世外》“向死而生”的制作历程，更从这部作品出发，剖析亚洲动画如何在好莱坞模式引发全球观众审美疲劳的当儿，凭借亚洲文化的特殊性及灵活制作模式，迎来属于自己的黄金时代。
为讲好故事碰撞出火花
“如果你在七年前问我，会不会做这部电影？我会告诉你，应该快点开始，因为这行太值得了！”在座谈会上，曾银阶笑着说道，语气和眼神充满笃定。
曾银阶并非电影科班出身，他的入行经历带着几分新加坡式的务实与偶然。拥有技术管理硕士学位的他，早年曾与一群背景各异的朋友（有的学金融有的学家具设计）合伙在新加坡管理大学（SMU）行政楼附近的店屋，开了一家名为“颠倒”（Upside Down）的咖啡馆。那曾是一个孕育梦想的起点，但因理念“太超前”，咖啡馆最终歇业，但“颠倒”这个名字，却预示了他不安分的人生轨迹。
为了寻找出路，这群伙伴转型成立一家“什么都做”的制作公司，从广告、活动管理到企业视频，在摸爬滚打中积累制作经验。然而，曾银阶的野心是希望有一天能讲更大的故事，于是选择与伙伴分道扬镳，成立Silver Media，专注于国际合拍片。在一次于中东举行的影视展上，他遇到带着《世外》雏形的吴启忠和编剧杨宝文（Polly）。
当时的吴启忠，刚从香港城市大学创意媒体学院毕业。和许多怀着梦想的动画人一样，他为了生存不得不开设工作室接拍广告，为美容院修图、做特效，但他心心念念的，始终是用动画来说故事。为了这个目标，他成立“点五制作”（Point Five Creations），并决心要在商业广告之外，留出一片天地给原创故事。
两个来自新、港渴望突破地域限制，只想讲一个好故事的灵魂，就这样撞出了火花。“我们能合作，是因为价值观契合。”曾银阶坦言，在这个充满虚荣与伪装的行业里，找到愿意通过故事让世界变得好一点点的人，比什么都重要。
疫情催生分布式制作
《世外》的制作周期长达七年，横跨整个冠病疫情时期。对于一部缺乏巨资支持的独立动画长片而言，几乎是致命的考验。不过，也正是这场全球性危机，逼出亚洲动画制作模式的一次革新。
吴启忠透露，传统的日本动画工业拥有严密层级与庞大人力储备，那是香港或新加坡这类小市场无法复制的。因此，《世外》制作团队被迫走出一条分布式的生存之道。
“我们没法像日本吉卜力（动画大师宫崎骏制作团队）那样把所有人关在一栋楼里画画。疫情期间，我们建立了一个线上制作系统，通过IG和脸书寻找世界各地优秀的自由动画师。”吴启忠回忆道。
《世外》在资源和外力局限下，齐集一支名副其实的“联合国动画军团”。他们通过网络挖掘人才，不看对方是否在大公司任职，让作品说话。团队中有法国艺术家负责场景与角色设计，也有来自台湾、菲律宾的动画师负责原画。吴启忠提到，他们发现许多高水平的创作者其实是在籍学生，虽然缺乏经验，但凭借着对动画的纯粹热爱，最终完成了惊人的工作量。他和曾银阶也发现一个有趣现象，《世外》团队偏年轻化，平均年龄约28岁。
采取去中心化的制作模式，打破了地域隔阂，也让《世外》呈现出一种独特美学：既有日式动画的细腻，又有绘本般的质朴，同时融合多元文化的视觉元素。曾银阶认为，这种灵活性正是亚洲动画未来竞争力所在。相比于好莱坞日渐僵化，根据大数据基础创作的流水线，亚洲创作者更善于在有限资源下，通过协作与创意突围。
吴启忠最爱的两名日本动漫大师，一个是已故动画教父金敏（Satoshi Kon），另一个是近年晋升“宫崎骏接班人”之列的新海诚（Mokoto Shinkai）；尤其后者初期创作时，在一个小小房间内一脚踢创作，让他深受启发。
亚洲动画凭差异化崛起
谈及全球动画市场的趋势时，身为监制的曾银阶展现出敏锐的市场洞察力。他直言不讳地指出，好莱坞正陷入一种“公式化”的死循环。
“现在的美国片商，很多是会计师和高管在做决定，而不是电影人。他们只看数据，不敢冒险。”曾银阶一针见血地分析道，“所以你看到无休止的翻拍、续集。以前成功的IP，即使观众已经疲劳，他们还是照搬同样的公式、同样的演员、同样的叙事节奏。”
这种创造力的枯竭，恰恰制造机会真空，让亚洲动画悄然崛起。曾银阶列举一组令人深思的数据：中国影史票房最高的电影之一是动画《哪吒2》，日本则是《鬼灭之刃》；印度尼西亚今年最大的电影是动画“Jumbo”；在韩国，漫改IP几乎占据流媒体的半壁江山。
曾银阶断言：“这不仅是巧合，这是一个趋势。”亚洲，甚至各地观众正在寻找新鲜的故事、新鲜的面孔，以及能够引起文化共鸣的好戏。好莱坞的衰退，对敢于讲不同故事的亚洲创作者来说，是最好的时代。
《世外》正是这种差异化竞争的产物。这部动画改编自日本作家西条奈加2012年的小说《千年鬼》，2019年先推出短片，之后再扩展成长片。它没有遵循迪斯尼式的合家欢套路，而是大胆触碰轮回、因果、愤怒、放下和自我救赎等，较富玄幻哲思的成人议题。杨宝文创作剧本的初衷，源于对好友离世的无法释怀，以及对社会戾气日益加重的忧虑。这种源自东方哲学的生死观，配合吴启忠独特的视觉风格，让《世外》在国际市场上显得独树一帜。
有趣的是，这种差异化甚至吸引来自沙特阿拉伯的投资。在东京电影节的创投市场上，团队意外地发现，尽管文化背景迥异，中东投资者却对影片中玄学的探讨，产生深刻共鸣，证明好的故事具备跨越国界的穿透力。
如果你是要静静地欣赏一件艺术品，动画这种媒介，观众看的不仅仅是画面，更是背后创作者那份艰辛的投入与情感的流动。——吴启忠
AI不可替代手作灵魂
在生成式人工智能（AI）席卷全球的当下，动画行业被视为受冲击的重灾区。然而，吴启忠对此却保持着一种艺术家的清醒与淡定。
他说：“AI在广告或须要快速产出的商业项目中，确实是完美的存在……但如果你是要静静地欣赏一件艺术品，动画这种媒介，观众看的不仅仅是画面，更是背后创作者那份艰辛的投入与情感的流动。”
他相信，未来的内容消费会更加分化。大众化的快餐内容或许会被AI接管，但真正能够触动人心，让观众愿意买票进入影院通过“仪式感”去体验的作品，依然需要人类的灵魂去打磨。就像《世外》里关于“心结”与“鬼之芽”的设定，便是对人类复杂情感的隐喻，是冰冷的AI演算法难以刻画的。
吴启忠比喻道，未来的娱乐体验将更强调“参与度”与“情绪价值”。就像人们愿意花高价去看演唱会与明星互动一样，手绘动画中那种不完美的、充满笔触感的痕迹，反而会成为一种稀缺的奢侈品。
小地区透过合制说大故事
作为一名新加坡电影人，曾银阶参与《世外》，对本地尚处于发展阶段的动画产业有着特殊的启示意义。
他说：“香港和新加坡很像，都是小地方，缺乏庞大的内需市场。”香港上一部成功的动画长片要追溯到多年前的《麦兜故事》，而新加坡的动画长片更是寥寥无几。然而，《世外》证明了，只要故事足够扎实，团队足够灵活，小地区也能通过国际合制，讲出世界级故事。
未来动画世界由年轻人当道，吴启忠鼓励年轻创作者不要局限于单一风格，要像变色龙一样适应不同的项目和题材，在实战中寻找自己的定位，不要小看任何一次做“配角”的机会。他以自己为例，2017年他因在香港丧尸片《今晚打丧屍》负责一段打斗动画，让资方看到他驾驭长片动作戏的潜力。
机会和努力是慢慢堆叠的，没有白走的路，或白费的功夫。可以说，《世外》的成功并非偶然，而是早在七年前就已开始的磨剑，待时机成熟一飞冲天。
戏院观影体验无可取代
《世外》的英文片名是“Another World”，在影片中是灵魂中转的驿站，而在电影外，它何尝不是亚洲动画人合力构建的一个崭新视界？登上更高舞台的交接点？
采访结束时，记者想起《世外》中关于“鬼之芽”的设定：当愤怒吞噬人心，人就会变成鬼。在现实的电影工业中，或许正因为有着像曾银阶和吴启忠这样，在资金断裂、疫情封锁的绝境中，依然死心眼地不愿放弃坚持下去，才没让才华被现实吞噬，最终在原本贫瘠的动画土壤中，开出了花。
正如杨宝文在剧本中写下的台词：“你要相信时间，相信自己。” 要在亚洲和东南亚创作出好的动画片，影人们无法置身“世外”，而应相互合作，打造既有在地独特性，又能引起跨域共鸣的说故事视角。如片中的领魂者“小鬼”与须要放下偏执的“小妹”一样，突破障碍，直达观众心中的彼岸。
面对低迷的电影市场，团队特别制作一支“戏院之约”的宣传短片，描绘“小鬼”穿梭香港闹市，赶赴与“小妹”的戏院之约。短片表达了吴启忠对戏院观影体验的热爱，“戏院是电影创作者得以展现细节的最佳场所。回到戏院——希望提醒大家，这份无可取代的沉浸感体验，正是电影院大屏幕、震撼音响，以及与众共享氛围的魅力所在。感受电影，而不仅仅是看电影。”
