5月8日夜晚，我坐在香港文化中心音乐厅里，聆听指挥家黄佳俊与香港管弦乐团、五位新加坡华乐团演奏家携手呈献的《图画展览会》，心中涌动的不仅是感动，更是一种深深的感染与自豪。这场音乐会之所以意义非凡，不仅因为演出水准之高，更因为它让我们重新思考一个时代命题：在全球化的今天，东西方音乐究竟应该如何对话？
穆索尔斯基的《图画展览会》写于1874年，原是钢琴组曲，为纪念他早逝的建筑师友人哈特曼而作。这部作品以粗犷的笔触、大胆的和声和敲击乐般的色彩著称。穆索尔斯基生前并未亲自配器，却留下一份充满想象空间的乐谱。一个多世纪以来，拉威尔1922年的管弦乐改编版最为人所熟知。然而，黄佳俊这一次所做的，不是又一次管弦乐版的复刻，而是一场彻底的再造。他将这部西方浪漫主义后期的经典，改编为由五位新加坡华乐团演奏家与交响乐团协奏的版本。五位华乐团演奏家：李浚诚（笛子兼塤演奏家）、打击乐首席巫崇玮、谭曼曼（胡琴演奏家）、马欢（扬琴演奏家）、王思元（琵琶演奏家），他们所兼任吹拉弹打乐器已经远远超出30件。这样的编配，本身就是一种大胆的宣言。
黄佳俊的版本以交响协奏曲形式写成，强调独奏者与乐团之间的对话。这与拉威尔华丽的管弦乐色彩截然不同。拉威尔让法国印象派的精致包裹了穆索尔斯基的粗犷，黄佳俊则让华乐器以它们最本真的姿态，走入这部俄罗斯画作般浓烈的作品中。大笛的苍凉、大胡的温润、琵琶的铿锵、扬琴的清亮，加上那12种打击乐器，包括黄佳俊特意融入的马来手鼓，以及模仿亚洲噪鹃的叫声，让这部作品不再只是“俄罗斯的图画”，而是东南亚的声音地图。这种融合不是妥协，而是共存；不是拼贴，而是对话。
