以那不勒斯为起点，穿越博洛尼亚与巴黎，再回到伊比利亚半岛，一场流动于欧洲地图的古乐音乐会即将在新加坡上演。本地古钢琴演奏家林傢辉，携手韩裔西班牙籍大提琴家赵炫根，将以“从意大利到法国”为主线，选取佩尔戈莱西、维瓦尔第、福尔克雷等作曲家的作品，尝试还原巴洛克时期（约1600年－1750年）的音乐面貌。
重新理解地域风格成因
林傢辉说，这场音乐会的核心，不只是呈现地域的“风格差异”，而是重新理解这些风格如何形成。他指出，音乐史课本常将“意大利风格”与“法国风格”并置为两个系统，但在实际历史中，两者并非彼此隔绝，而是在长期交流中逐渐形成。
林傢辉提到，18世纪欧洲音乐训练的基础，很大程度来自那不勒斯学派的partimento（分部练习）传统，即通过低音线学习和声与结构，再发展至即兴与作曲。“当你掌握这些低音线，你其实已经知道音乐会往哪里走，不需要别人写给你和弦。”这种“低音即兴”的训练方式，延伸至莫扎特、肖邦与李斯特等19世纪作曲家。他指出：“这是古乐时期和现在最大的区别。如今我们只是看谱，演奏，重复；但以前是先理解结构，再去创造。”
大量受训于意大利体系的音乐家，在18世纪活跃于欧洲各地，使意大利风格成为一种跨地域语言。林傢辉举例指出，被视为法国巴洛克核心人物的吕利（Jean-Baptiste Lully），其实出生于意大利。这种流动，使法国音乐在保持自身审美的同时，不断吸收外来元素，例如巴里埃尔（Jean-Baptiste Barrière）前往意大利学习后，将意大利的旋律线条与法国的装饰语汇融合，福尔克雷（Jean-Baptiste Forqueray）的作品则同时呈现维奥尔琴传统的厚重织体与意大利式的炫技特征。
羽管键琴与巴洛克大提琴
此次音乐会以羽管键琴（harpsichord）与巴洛克大提琴为核心。羽管键琴以其清晰而富有颗粒感的音色，在两个多世纪中成为欧洲宫廷与客厅的标准键盘乐器；与此同时，大提琴在这一时期摆脱单纯通奏低音的角色，以其歌唱性的音色，被赋予独奏地位。
历史的发展并非线性，而是在不断竞争与淘汰中形成；只有在事后回望时，延留下来的那一条，才显得像是一条连贯的轨迹。追溯现代钢琴的形成，羽管键琴并非唯一的先驱。与钢琴相比，羽管键琴最大的差别在于发声机制：钢琴以击槌敲击琴弦，因而可以控制音量；羽管键琴则通过机械装置，以拨子拨动琴弦发声，音量几乎无法调节。在巴洛克时期，与现代钢琴同原理的古钢琴（clavichord）亦同时存在，甚至可能更早。巴赫本人就拥有古钢琴，但这种乐器音量极低，且在用力过大时音色容易变形，因此几乎不用于公开演出。
林傢辉还提及膝间维奥尔琴（viola da gamba），这一乐器与大提琴之间的关系，折射出另一层历史转变。两者在演奏姿态上相似，但维奥尔琴拥有指板品格，音色更为透明，适合室内与贵族文化环境；随着18世纪音乐空间与音响需求的变化，大提琴因音量更大、低音更强而逐渐取代前者。“当乐队开始形成时，人们需要更有力量的低音，gamba就慢慢被取代了。”
当代认知有历史偏差
他也指出，当代观众对这些乐器的认知，本身带有历史偏差。例如今日常见的双键盘羽管键琴，在当时并非主流，而属于贵族阶层的专用乐器，因而更容易被保存下来。“很多更普通的乐器反而没有留下来，所以我们现在看到的，其实并不是当时最常见的样子。”
林傢辉自身对音乐的理解，也是在这样的探索中形成。他自幼以钢琴启蒙，选修O水准音乐科目，初级学院时入选音乐特选课程。中学时，他聆听一支古乐团体的录音，觉察到录音的整体音高“奇怪”，才了解到在当代古乐演奏实践中，常采用A=415Hz的音高，而现代通行标准音A=440Hz，由此意识到历史音高与调律体系的存在，也成为他进入古乐领域的契机。在伯明翰大学就读期间，他于最后一年转向羽管键琴主修，其后进入英国皇家音乐学院（Royal Academy of Music）继续深造古乐演奏。
作为一名职业演奏家，林傢辉表示自己同样重视教学与研究，并任教于杨秀桃音乐学院。他认为，古乐的价值不仅在于“还原历史声音”，更在于提供另一种理解音乐的方式。“当你用这些乐器去演奏，你会发现很多东西突然变得合理，”他说，“不只是如何演奏，而是音乐为什么要这样写。”在他看来，这种从结构出发、再回到声音的过程，正是古乐在当代仍具意义的原因。
▲从那不勒斯到巴黎：巴洛克音乐之旅
5月27日（星期三，哈芝节）下午3时
旧国会大厦艺术之家
票价：28元，16元（优惠）
购票：shorturl.at/Ccj6U
