随着社会的发展，包容性（inclusiveness）和无障碍（accessibility）在生活中越来越常见。在一些人的印象中，这意味着坡道、盲道，让体障或视障人士能够顺利进出空间。但在剧场工作者郑颖（32岁）看来，无障碍不仅限于物理层面。通过为剧场演出提供口述影像（audio description），让视障人士也能够参与剧场体验；她用一个更具体的词来形容这种状态——“socially accessible”，即社交层面的无障碍。
学艺术史出身的郑颖，最初在新加坡美术馆工作，负责为视障访客开发可触摸的艺术作品与解说。2018年前后，她参加了一项在新加坡专业剧场举行的口述影像培训，为期约一周。培训规模不大，九名学员、两名来自澳大利亚的讲师。那次之后，她也逐渐接到剧团的邀请。
与郑颖同期受训的，还有后来与她长期合作的视障顾问杨淼缃（53岁）。杨淼缃在35岁前曾有视力，之后因视网膜脱落失明。她指出，视障本身有很大差异，有人完全失明，有人仍有部分视力，也有先天和后天的区别，对信息的需求并不一样，因此反馈也不会只有一种标准。
不让任何观众被落下
剧场中的口述影像，是把舞台上的视觉信息转化为语言，通过耳机在演出中实时传递给观众。郑颖说，它并不是“补充说明”。“如果台上有一个笑点，大家都在笑，但你不知道发生了什么，那一刻你就被排除在外。”她说，描述的重点并不在于讲清每一个动作，而是避免观众在某些瞬间被落下。
郑颖会在正式演出前观看完整彩排，至少两次，在现场记录细节，同时参考剧本。之后，她把口述稿写在对白之间，避免和台词重叠。除了演出中的描述，她还会准备一份开场说明，介绍角色外貌、服装、舞台结构和空间转换，让观众在开场前对整部戏有基本认识。
不少演出还会安排触摸导览（touch tour）。演出开始前，观众可以走上舞台，触摸布景、道具和服装，了解舞台的空间关系。杨淼缃说，这一环节很重要。“你可以知道舞台多大，门在哪里，演员会从哪里进来。这些信息会在演出时慢慢拼合起来。”
在实际操作中，难点往往出现在描述的边界上。郑颖提到，舞蹈是最难处理的一种类型。“我们常说，一图胜千言，但你没有那么多时间去描述。”
杨淼缃听过舞蹈的描述，她说自己会一边听，一边在脑中不断调整画面。“每一个词都会变成一个动作，下一个词来了又要改。”她说，这个过程很累，但如果没有描述，她只能根据音乐自己想象。
并非每个疑问都要被解答
在正式演出前，郑颖会请杨淼缃听一遍完整描述，再根据反馈修改。最核心的问题是：“有没有哪里听不懂？”有些时候，演员一个面部表情，就能暗示很多情节信息。如果没有描述这个表情，看不见演员的观众就能难理解剧情的发展。
然而，并不是每一个疑问都需要被解答。郑颖说，有些地方如果普通观众也不一定看得明白，就不一定需要补充。而有些作品本身依赖“模糊”。郑颖提到剧目“2:22 A Ghost Story”的例子：其中一个角色是隐藏极深的“鬼魂”，只在结局才揭晓。
回看前面的情节，他并没有真正喝水或触碰物件，但表面上看起来像是在做这些动作。写描述时，她不会说“他喝了一口”，而是改成“他与众人一同举杯”这样不刻意又不剧透的模糊表述。
真正包容无需特别强调
杨淼缃用了两个词形容自己第一次观看口述影像的演出后的感受：解放（liberating）和被赋能（empowering）。过去她看戏时，需要不断问身边的亲友发生了什么，自己觉得很打扰。她提到，有一次女儿也戴上耳机一起听，反而觉得有些地方如果没有描述，自己也不一定看得清楚，两人后来会在演出后交流彼此的理解。
杨淼缃说，自从失明后，她有很长一段时间没有再走进剧场，直到口述影像的出现，才重新开始接触演出。在她看来，所谓包容性，“就是不被拒之门外”——不会因为自己的障碍，就无法参与某种体验，或使用某种产品。
她认为，这背后需要的是从一开始就纳入不同群体的设计理念，而不是先入为主地把某些内容视为“高度视觉化”，从源头上将视障人士排除在外。对她来说，真正的包容性，是不需要再被特别强调，但每个人都能自然参与其中。
